吐いて 吐いて 吐いて 吸う

呼吸をしなければ人間は死んでしまう。呼吸とは、息を吸うことと吐くこと。吸うのと吐くのと、どちらが先かはニワタマ問題かもしれないが、結論から言うと、吐くことのほうが先だ。

糸井重里氏の「小さいことばを歌う場所」の中には次のように書かれている。

自分という器をいくら逆さにして振っても、
出てくるのは綿ぼこりくらいのものさ。

吸ったり吐いたりのしくみが
動いていないことのほうが、
中身がからっぽであることなんかより、
ずっとおそろしいことなんだよ。

＜中略＞

問題は、吐くこと。
吐けないと思ってから、さらに吐く。
吐いて、吐いて吐き出しつくすと、
しょうがなく吸うことになる。
ここで、吸えということだ。

表現をするんだ。
そしたら、いったん空になる。
空になったら死んじゃうから、
呼吸するだろう？
その分だけ吸ったら、もう十分だ。

「吐いてから吸う」。すべてのことはこの順番のように思う。自分から何かを出すことから始めて、後からその分補充すれば良いではないか。出すことにより、次に補充しようとしたときに、いろいろなオプションが生まれることになる。

田口ランディ氏の「できればムカつかずに生きたい」にも似たような話がある。

呼吸は、その字の通り「吐く」そして「吸う」である。いかに吐くかが問題であって、吸うのはまあ、どうでもいいと言えばどうでもいい。オギャーと生まれたときも人間はまず息を吐くのだ。というよりも吐かないと吸えない。あまりにも単純なので忘れてしまいがちなんだけど、呼吸というのは生命活動の基本だ。

実は私は高校のころプレッシャーに弱く（と書くと、当時の同級生には俄かには信じてもらえないのかもしれないが）、しょっちゅう精神的に追い詰められていた。あるとき、自分で呼吸が出来なくなるような錯覚に襲われ、「吸って、そして吐いて」と自分に指示を出したことがある。近くにいた姉に「息が止まっていたら教えて」と頼んだことも。すべては意識しすぎだっただけなのだが。

転職などを繰り返し、小さい会社に行くと、前の会社までで学んだことでしばらく食っていく状態になる。転職先の上司/先輩/同僚、さらにはお客様やパートナーの方々から得るものがあっても、それに気づくのには少し時間がかかる。転職した後に、「この会社からは得られるものが少ない」と嘆くことも多い（私が以前の会社のときに、そうだった）。だが、使うだけ使ったら、きっとそこから得られるものも多いのだろう。

また、こういったブログなどでの発言も、吐いていることにほかならない。これは別途機会を設けて詳しく書きたいと思うが、ブログを用いた出力があるからこそ入力としての読書や映画や美術館への参加が必要となる。もちそん、それで足りなければ自分なりに調べる。インターネット上の呼吸がブログなどによる個人の情報発信なのかもしれない。

まずは吐いて、さらに吐いて。まだ吐いて。
もう限界。さぁ、では吸おう。

六本木クロッシング2007：未来への脈動

六本木クロッシング2007を観てきた。六本木ヒルズの森美術館で今日まで行われていた展示会だ。4人のキュレーターにより選ばれた36作家による作品が展示されていた。

どの作品もすばらしかったのだが、エンライトメントによるマインド・プリーツが秀逸だった。私は偶然にも昨日、林さんのブログで紹介されていたのを読んだため、この作品の正しい見方を知ることができた。正直、最終日でやや混んでいる中、他人の目も気にせず、スクリーンの60cm手前に立つのは勇気がいる行動であったが、確かに自分の心がどこかにトリップするような錯覚に襲われる。村上龍氏の「愛と幻想のファシズム」の最初のほうに視覚に訴えるイメージビデオを制作する話が出てきたように記憶している。確か、目をつぶった後に残る網膜のイメージをビジュアル化するような話だったと思う。それを思い出させるような作品だ。作品の中にサブリミナル効果を埋め込んだりしたら、洗脳されるのではないかとさえ思わせる（サブリミナルというのは科学的に実証されていない効果だというのは知っているが）。時代が時代なら、時の権力者はこのような作品を利用したくなるだろう。それこそまさに、「愛と幻想のファシズム」の世界だが。

ほかには榎忠氏のRPM-1200も素晴らしかった。榎氏が収集したいわゆる金属ごみを旋盤加工器械で磨き上げ、それらを利用し、近未来都市のミニチュアのように作り上げている。ライトニングも素晴らしく、銀色に磨き上げられた金属と一方向から差し込む光による見事に調和した世界に酔わされる。作り出される影もまた独自の世界を作り上げている。用意された隣の高台から見下ろすことができるのも良い。

このほかにも、できやよい氏のサブカルチャー的なポップな世界、田中偉一郎氏の笑いの世界、立石大河亞氏のコミックの手法を油彩に持ち込んだ作品などにも感銘を受けた。田中偉一郎氏のビデオ作品は、そのタイトルからも内容が想像できると思うが、「ハト命名」（ハトをビデオで録画し、その一羽一羽に命名していく）、「クラッシクカラオケ」（クラッシックの名曲のカラオケビデオ）などYouTubeにアップロードして欲しいとさえ思うような作品が多かった。同じく氏の「刺身魚拓」（その名のとおり、刺身の魚拓）も楽しめた。

また、吉村芳生氏のドローイング新聞（ある日の新聞を鉛筆で克明に描写－再現というほうが適切か－したもの）も目を引かれた。特にこの途方も無く労力がかけられた作品に「特に意味が無い」というところがなんとも芸術らしいではないか。

字面ばかりで説明してもなかなかわかってもらえないかもしれないが、行った人はその感動を再び思い出してもらえればと思うし、行けなかった人は一生後悔して欲しい（なんちて）。

送信者 六本木クロッシング2007

water [水:water] - 佐藤卓ディレクション

東京ミッドタウン内にある21_21 DESIGN SIGHTで行われているwaterを観てきた。

第2回企画展
佐藤卓ディレクション
コンセプト・スーパーバイザー: 竹村真一

water [水:mizu]

我々をとりまく自然や社会に対してどのような視点をデザインが示すことができるか。21_21 DESIGN SIGHTでは、今回「水」をテーマとした展示が行われていた。水はデザインのテーマにもなっているのと同時にデザインを構成する重要な要素にもなる。2時間ほど見て回ったが、五感に訴えかける作品の多くに時間を忘れるほどだった。

六本木経済新聞の記事（佐藤卓さんディレクション「water」展－水を体験する作品群）に佐藤氏の次のような発言がある。

　開幕前日に開催された記者発表会で佐藤さんは、展示準備を振り返って「デザインするという言葉の中には、能動的な意味合いが強くあるように思う。しかし、水と向かい合っていると、教えられることや単純に面白いと思えることがたくさんあり、何かをしてやろうという気持ちがなくなった。水が、どんな展示をするのか、どういうふうに水と人をつなぐか、ということを教えてくれるような体験をした」と話した。

確かに展示作品の多くは「水」という素材の良さをそのまま生かしたものが多くあり、変に気負ったものはほとんど見られなかった。「水」というものがこんなにも美しく、楽しく、そして愛おしいものかということを考えさせられる。

以下、特に面白かった作品。

アートとしてはもう少し工夫して欲しかったと思うところが無いでもなかったが、4番目に展示してあった「水球儀」が「水」に関する情報の提供という意味では面白かった。水球儀を用いて、水の持つ力をわかりやすく解説していた。ただ、壁に映す解説についてはもう少し工夫が欲しかった。

また、7番目の「HOH（ホッ）」には大変癒された。暗い部屋の中で映像と音によって水の魅力を伝えるものだ。リラクゼーションのCDなどで水の音を流すものがあるが、それと同じように人間の五感に訴える水の魅力を見事に表現していた。しばし床に座ってボーっとしていた。

「水の器」（9番～20番）や「ふるまい」（21番）－六本木経済新聞の記事（佐藤卓さんディレクション「water」展－水を体験する作品群）やTABlogの記事（佐藤 卓ディレクション「water」）で写真が見れる－は、揺るぐ特徴を持つ「水」というデザイン素材がうまく活かされていた。「水の器」の中では14番の「water X」がウェブから「water」という単語にヒットする言葉を元にネットの画像を引き出す作品だった。職業がらついつい厳しい目で見てしまうのかもしれないが、あと一工夫あるとさらに面白くなりそうに思った。

このほかに携帯でQRコードを読み込ませ、指定された方法で写真を送るとウェブ上で見れるようになっていたり、水への想いを言葉にして携帯から送ると、床に表示されたり、携帯との連携が多く見られたのも特徴だろうか。携帯だけでなく、インタラクティブ性が多く取り入れられた展示だったと思う。

送信者 Water 21_21 D...

我々とは切っても切れない関係の「水」。それを楽しみながら感じることのできる展示。仕事に疲れた方にはお勧め。って言っても明日までだけど。

ONCE ダブリンの街角で

観たかった映画「ONCE ダブリンの街角で」がまだ渋谷で上映されていたので、先週末に行ってみた。

送信者 ONCE ダブリンの街角で

ほかの映画を見ていたときに予告編で流れていたFalling Slowly（テーマ曲）にやられてしまったのだが、この曲に限らず、映画と音楽が見事に調和のとれた映画だ。主役のGlen HanzardとMarkéta Irglováという二人が実際の設定と同じアイルランドとチェコのミュージシャンだったというのは知らなかったが、実際の二人の生い立ちもかなりドラマチックなものであることが公式サイトにあるインタビュー（トップページからレポートをクリック）を読むとわかる。

まず、Glenの生い立ち。

グレン：5年間ストリートミュージシャンでした。学校でたまたま先生がDJだったのですが、自分の集中力がなくて授業がちゃんと受けられなかったんです。それで13歳の頃、ディランのアルバムで誰が演奏したか分かるくらい音楽が好きなら、一回外に出て何かやったみればとアドバイスされたんです。1年後に戻ってきたとき何か理由を見つけて学校を卒業できるようにしてあげるよと言われ、母が了解してくれました。自分にとっては目が開かれた状態になり、世の中が広がりました、当時は絵描きの女性と一緒に住んでいたのですが、彼女はとても優しくしてくれました。

そして、Markétaとの出会い。

グレン：まず彼女に会ったのは6年前で、彼女は13歳でした。彼女の親も知っています。当時、滞在する場所を探していて、彼女の家に滞在することになったのですが、そのころ自分はホームレコーディングという形でバンドの曲作りをしていました。彼女はたまたまピアノがすごく上手だったんです。なので、参加してもらおうと考えたのですが、彼女はこれまで譜面がない状態の音楽をやったことがありませんでした。彼女は即興などを含めて色々と勉強してくれて、すごく上手くできるようになり、そのうち一緒に歌ってくれるようになりました。とても勇気ある行動だったと思うのですが、一緒にチェコなど旅してコンサートに参加するようになり、ピアノと歌を担当してくれたんです。

映画はわずか17日間で撮影されたようだ。このときの模様をGlenは次のように語っている。

撮影では金銭的な制限があることで、逆にクリエイティブになるということがあると思います。17日という短い期間で、朝から晩まで作業をしていました。朝 6時から夜7時まで作業して、時々夜に曲を書いたりしていました。最初にリリースパーティーをすると決めてしまうのが一番良い解決策なのかもしれません。人というのは、時間と金銭的な制限があれば逆にクリエイティブになれるのだと思います。母親は例えお金が無かったとしても、考えながら一週間分の食料をつむぎ出すことができるんです。映画も同様だと思います。そして、曲のひとつひとつがそういった制限の中から生まれてきたのだと思います。

「人というのは、時間と金銭的な制限があれば逆にクリエイティブになれるのだと思います」というのは、以前のブログ投稿にも書いたが、亀田誠治氏が言っていたのと同じだ。

自由なだけな環境からはアイデアしか出ない。制約のある環境でこそ、アイデアを元に複数の人間でクリエイティブなものを生み出すことができる。

この映画は、日本語の予告編では「ラブストーリー」と紹介されていた。確かにラブストーリーなのだが、いわゆる恋愛とは違うラブストーリーだ。特に、結末に関しては、正直予想と異なっていた。ハリウッド映画だったら、こういう終わらせ方はしなかったのではないだろうか。これについては、GlenとMarkétaが次のようにインタビューで語っている（公式サイトより）。（ネタバレ注意）

グレン：まず、結ばれないということが、この映画にとってとても大事な点だと思います。それが、映画で伝えたいことそのものだと思うんです。ロマンティックにならないことが必要であって、そうすることで逆によりロマンティックな状況が生まれるのではないかと思います。ジョン・カーニーは最初にキスシーンを入れていました。それで、一度だけキスをするという意味で「ONCE」というタイトルが生まれたのですが、僕たちは皆反対していて、キスはないと思っていたんです。彼女の役は、とても相手を尊重する人で、子供や夫もいるので、キスをしないということが前提になっていました。男はもちろんキスしたいのですが、彼女の意思を尊重します。彼女はとても素晴らしく、良い人間で、実際にキスをしてしまったら何か違うと思うんです。実生活においては、二人はその後キスをしましたけどね（笑）。

マルケタ：私も彼の意見に賛成です。彼女には子供や夫がいますし、基本的に友情を描いた物語だと思っています。まず、愛が二人の間に通い始めるのですが、ロマンティックな愛にまでは至りません。私が演じたキャラクターは、そういうことはしない人間だと思っています。子供たちのことを考えながら、二人の関係を見ていくという、親の視点になるわけです。ベストを尽くして諦めないというのも彼女のキャラクターだと思います。なので、キスをしてしまうのは間違っていると思います。子供や夫がいながら、他の関係も始めてしまうというのはありえないと思います。と同時に、一般的な男と女の関係に見られることを避けたかったという気持ちもあります。現実では、好きな人と必ずしも一緒になれるわけではないということを表していると思います。

最後に二人の演奏するFalling Slowlyのライブビデオを張っておく。二人の素敵な声をもう一度。

Little DJ 小さな恋の物語

ストレス発散には泣くと良いという説があるらしい（参照:泣こうよ.com）。

ストレスが溜まりまくっているわけではないのだけれど、何故かここ最近見る邦画は、いわゆる「お涙頂戴もの」が多い。製作者の意図がみえみえなんだけれど、それにはまりに行っているわけなので、当然怒る必要もなく、むしろ満足して泣けている。

この映画もそう。日本テレビの24時間テレビの中で2時間ドラマとして作られていてもおかしくないようなストーリーと言われても仕方ないし、そのとおりだと思う。子供が難病で初恋だ。しかも美少年と美少女。文句無い。

2時間ドラマを映画館に見に行ったと思えば良い。そう考えると、非常に出来の良い2時間ドラマだし、人目を気にせずに泣けるのも良い。

映画としては低予算で作られたように思うので、このように「2時間ドラマ」と連呼してしまうが、神木君をはじめとする役者たちの演技は悪くない。古すぎて誰もわからないかもしれないけれど、小さな恋のメロディーを思い出してしまった。

ところで、神木君演じる主人公は1977年で12歳ということだから、私と同い年だ。映画の中でかかる曲も私の小学校高学年から中学にかけてのものだ。クィーンのSomebody to Loveなどが出てくるが、確か実家にもそのシングルがあったはずだ。道理で感情移入できるはずだ。関係ないか。

とりあえず、正月早々、初泣きということで。

Little DJ―小さな恋の物語
鬼塚 忠



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世界の日本人ジョーク集

図書館で予約していたのが、忘れたころにやってきた。風呂の中だけでの読書で2日ほどで読了。現実逃避？ ハイ。

外資系に勤めていると、日本人以外の同僚や上司/部下と食事することが多い。仕事の話だけならば、どうにか会話も成り立つが、気の利いた冗句の1つでも言えればといつも思う。本書はそんな場で使えるネタが満載。もちろん、中でも書かれているように、ネタによってはコントラバーシャルなものもあるので、空気を読まないといけない。ネタの背景となっている「日本人が諸外国からどのように見られているか」をきちんと説明しているので、簡単な国際文化比較の勉強にもなるだろう。ただし、その説明は深くはないので、気になった項目があったら別途調べる必要がある。

私は外資系勤めが長いとは言っても、米国に本社がある会社にしか勤めていないので、どうしても考えが日本と米国を中心にし勝ちになる。その点、本書は北欧や中東の事情もふんだんにカバーされている。その点も勉強になった。

三島由紀夫文学館

理由あって年末年始を富士吉田で過ごしたのだが、山中湖近くに三島由紀夫文学館なるものがあると聞いて、今日行ってみた。場所は山中湖に沿って南を走る国道138号線沿いの文学の森の一角。

　



隣に徳富蘇峰館もある。



　

こじんまりとした洋館といったたたずまいであるが、中もそれほど大きくはない。

　

じっくり見ても、30分か1時間もあれば十分だろう。三島の略歴や文学作品の解説、再現された書斎などを見ることができる。また、映画や劇として上映/上演された作品も紹介されている。

入ってすぐに展示されているのは、三島の初版本の数々。今、書店や図書館で見るものと違う装丁の本も多い。たとえば、「仮面の告白」の装丁は初版本のほうが内容にはマッチしているように思う。

三島の生涯を紹介したビデオ上映もされていたが、時間が無かったので、見ることができなかった（インターネットで配信してくれれば良いのに）。

都心からも近いので、三島が好きな人（私は別にそうではないんだけど (^^;;;）にはお勧め。

なお、ここから138号を少し北にあがったところには、富士山レーダードーム館という富士山頂観測所にあったレーダードームを展示している施設がある。ここはここで面白いのだけれど、新田次郎が気象庁に勤務していて富士山頂にレーダードームを作ることを提案した本人だとは知らなかった。